Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период времени - конец XV и первую треть XVI вв. Только в Венеции расцвет искусства продолжался до середины столетия.
Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире - не только о земле, но и о космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Изобразительный язык, который в эпоху Раннего Возрождения, по определению некоторых исследователей, мог показаться слишком «болтливым», стал обобщенным и сдержанным. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлетами и последующим кризисом.

Архитектура

Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на базе предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444-1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути развития архитектуры XVI в.

Живопись

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, ученого и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия, насчитывающие свыше семи тысяч листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Как ученый и инженер Леонардо обогатил практически все области научного знания: анатомию, физиологию, ботанику, палеонтологию, картографию, геологию, химию, аэронавтику, оптику, механику, астрономию, гидравлику, акустику, математику. Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. В своем знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Леонардо отдал дань не только теории искусства. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов (т.н. «Мадонна Литта»). Кисти Леонардо принадлежит одно из самых прославленных произведений мировой живописи - «Мона Лиза» (Джоконда). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо по сей день остается одной из самых харизматических личностей эпохи Возрождения. Ему посвящено огромное количество книг и статей, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей. Универсализм Леонардо настолько непостижим, что Вазари не смог объяснить этот феномен иначе, как вмешательством небес: «К чему бы ни обратился этот человек, каждое его действие носит печать божественности», - так писал знаменитый биограф о великом Леонардо да Винчи.

Искусство Рафаэля Санти (1483-1520) также принадлежит к вершинам итальянского Возрождения. С творчеством Рафаэля в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо да Винчи олицетворял интеллект, а Микеланджело - мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем естественном изяществе («Сикстинская мадонна»). Может быть, поэтому мастер приобрел такую необычайную популярность у публики и имел множество последователей среди художников во все времена. Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором, мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане («Афинская школа»). В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения - прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно («Портрет Б. Кастильоне»).


Рафаэль. Мадонна с младенцем (Мадонна Конестабиле). Эрмитаж. Около 1500-1502.

Современником Леонардо да Винчи и Рафаэля был их вечный соперник - Микеланджело Буонарроти , величайший мастер Высокого Возрождения - ваятель, живописец, архитектор и поэт. Свой творческий путь этот титан Возрождения начал со скульптуры. Его колоссальные статуи стали символом нового человека - героя и борца («Давид»). Мастер возвел немало архитектурно-скульптурных сооружений, самое знаменитое из которых - капелла Медичи во Флоренции. Великолепие этих произведений строится на колоссальном напряжении чувств персонажей (Саркофаг Джулиано Медичи). Но особенно знамениты росписи Микеланджело в Ватикане, в Сикстинской капелле, в которых он проявил себя как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве, ни до ни после Микеланджело, не создавал таких сильных телом и духом персонажей («Сотворение Адама»). Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников; она и по сей день остается непревзойденным монументальным произведением итальянской живописи. Но кроме росписей плафона Сикстинской капеллы, мастер, уже в старости, создал яростно-вдохновенный «Страшный суд» - символ крушения идеалов своей великой эпохи. Тем не менее Микеланджело всегда боготворил красоту человека, какие бы роковые и трагические страницы жизни ни определяли содержание творений этого гения. Микеланджело много и плодотворно работал в архитектуре, в частности, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило свое время, оно сыграло колоссальную роль в мировом искусстве, в частности, оказало влияние на формирование принципов барокко.

В историю искусства Высокого Возрождения яркую страницу вписала Венеция, где этот период продолжался до середины XVI в. Особое великолепие город приобрел после перестройки его центра учеником Браманте Якопо Сансовино (1486-1570). Напротив Дворца дожей он воздвиг монументальную библиотеку Сан-Марко с ажурным фасадом, органично связав ее с ансамблем площади. У подножия колокольни собора Сан-Марко мастер построил небольшое изящное здание - Лоджетту, а в 1532-37 гг. на Большом канале - нарядное палаццо Корнер делла Ка-Гранде. Наивысшего расцвета в XVI в. достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтически-созерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана.

Джорджоне считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции. Его искусство совершенно особое. В нем царит дух ясной гармонии и какой-то особенной интимной созерцательности и мечтательности. Этот венецианец умел передать настроение сцены, ее едва уловимое, подобное чудному сну, абсолютное безмолвие. Он часто писал восхитительных красавиц, настоящих богинь. Обычно это поэтический вымысел - воплощение несбыточной мечты, преклонение перед романтическим чувством и прекрасной женщиной. В его картинах таится намек на чувственную страсть, на сладостное наслаждение, на неземное счастье. Утонченный гедонизм стал важной темой его живописи. С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.



Тициан вошел в историю итальянского искусства как титан и глава венецианской школы, как символ ее расцвета. В творчестве этого художника с особой силой проявилось дыхание новой эпохи - бурной, трагической, чувственной. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан явился одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологическими и историческими картинами. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи. Его картины сияют золотом и сложной гаммой вибрирующих светоносных полутонов цвета. Тициан выработал новую живописную технику, оказавшую исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до XX в., развитие мирового изобразительного искусства. Могучий темперамент и яркая творческая индивидуальность Тициана проявились уже в ранних его работах, насыщенных кипучей жизнью, сверкающей красотой, богатством духовного содержания, глубиной эмоциональных переживаний. Тициан, проживший почти столетие, пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера наполовину принадлежит эпохе Позднего Возрождения. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами, погибает, но сохраняет свое величие. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве.
Автопортрет



Эпоха Высокого Возрождения Возрожде́ние или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи XIVXVI века.


Загадочный гений Леонардо (). Итальянский живописец, скульптор, архитектор, инженер, техник, ученый, математик, анатом, ботаник, музыкант, философ эпохи Высокого Возрождения.


Его называли чародеем, служителем дьявола, итальянским Фаустом и божественным духом. Он опередил свое время на несколько веков. Окруженный легендами ещё при жизни, великий Леонардо символ безграничных устремлений человеческого разума. Явив собою идеал ренессансного «универсального человека», Леонардо осмысливался в последующей традиции как личность, наиболее ярко очертившая диапазон творческих исканий эпохи. Являлся основателем искусства Высокого Возрождения.




Мадонна Литта г.


Картину «Мадонна Литта» художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как безошибочно точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон. Чувство радости материнства в картине «Мадонна Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка кажется, что она улыбается своим грезам. Картина «Мадонна Литта» написана художником не маслом, а темперой ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща (более светлым отголоском которого воспринимается голубое небо с легкими облаками) и насыщенно красного платья мадонны.


Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа) г.


Мадонна в гроте гг. На картине изображена стоящая на коленях Дева Мария, покровительственно кладущая руку на голову Иоанна Крестителя. Справа ангел придерживает младенца Иисуса, который поднял руку в жесте благословения. Вся сцена исполнена нежности и покоя, что очень контрастирует с пейзажным фоном, состоящим из отвесных скал. Этот фон и дал название всей картине «Мадонна в скалах». Композиция произведения построена в виде пирамиды. Леонардо передаёт глубину пространства не только с помощью геометрии, но и посредством разработанного им приёма сфумато, когда очертания предметов смягчаются для акцентирования их обволакивающей воздушной дымки.


Тайная вечеря Санта-Мария дель Грация, Милан, Италия


« Тайная вечеря» самое зрелое и законченное произведение Леонардо. В центре он помещает фигуру Христа, выделяя ее просветом двери. Апостолов он сознательно отодвигает от Христа, чтобы ещё более акцентировать его место в композиции. Наконец, в этих же целях он заставляет сходиться все перспективные линии в точке, непосредственно расположенной над головой Христа. Композиционно картина разбивается на Христа в центре и четыре группы апостолов по три в каждой. Все перспективные линии сходятся над головой Христа. Самая высокая фигура – Христос, поскольку он, сидящий, почти вровень со стоящими персонажами; самая низкая – апостол (!) Иуда. Он в ряду со всеми, но дан в резком повороте влево. У Христа обе кисти на столе. Протянутая к нам левая рука ладонью вверх, пальцами касается стола, но ладонь приподнята: с нее к нам как бы скатываются слова Христа. В то же время эта ладонь готова принять наши слова. Из запястья бьет вверх и в стакан неправдоподобно широкая – в полтора пальца шириной – струя крови. Правая кисть с широко разведенными напряженными полусогнутыми пальцами в очень энергичном движении двигает к нам… воздух: под пальцами ничего нет!


Из свидетельства Амморети следует заключить, что картина "Тайная Вечеря" была окончена в 1497 году. К сожалению, Леонардо да Винчи исполнил ее красками, из которых некоторые оказались очень непрочными. Уже через пятьдесят лет после окончания, картина, по свидетельству Вазари, находилась в самом жалком состоянии. Однако, если бы в то время можно было исполнить желание короля Франциска I, выраженное через шестнадцать лет после окончания картины, и, выломив стену, перевести картину во Францию, то, может быть, она сохранилась бы. Но этого нельзя было сделать. В 1500 г. вода, залившая трапезу, окончательно испортила стену. Кроме того, в 1652 г. была пробита дверь в стене под ликом Спасителя, уничтожившая ноги этой фигуры. Картина была несколько раз неудачно реставрирована В 1796 г., после перехода французов через Альпы, Наполеон отдал строгое предписание пощадить трапезу, но следовавшие за ним генералы, не обращая внимания на его приказ, превратили это место в конюшню, а впоследствии в складочное место для сена.




В картине «Дама с горностаем» художник Леонардо да Винчи внес новое в прием объемной моделировки фигуры. Лоб девушки перехвачен тонкой фероньеркой, на голове у неё прозрачный чепчик, закреплённый под подбородком. На её шее ожерелье из тёмного жемчуга, окаймляющее шею и спускающееся второй, длинной, петлёй на грудь, где оно визуально теряется на фоне квадратного выреза платья. Чечилия Галлерани изображена в повороте головы чуть в сторону положение, которое, несмотря на сильный наклон головы к левому плечу, смотрится удивительно естественно. Такое впечатление создают её мягкие и нежные черты детского лица, обрамлённого гладко уложенными под подбородок волосами. Строгость причёски и отведённый в сторону от зрителя взгляд создают ощущение целомудренности и непорочности. Кроме того, во внешности Чечилии чувствуется какая-то незаконченность, что лишь придаёт ей очарования.


Мона Лиза (Джоконда) гг.


Портрет Лизы Герардини, супруги флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, молодой женщины, написанный итальянским художником Леонардо да Винчи около 1503 года. Картина является одним из самых известных произведений живописи в мире. Относится к эпохе Возрождения. Выставлена в Лувре (Париж, Франция).Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo Портрет госпожи Лизы Джокондо. Ни в одной другой картине Леонардо глубина и дымка атмосферы («сфумато») не переданы с таким совершенством, как в «Моне Лизе». Эта воздушная перспектива, вероятно, лучшая по исполнению. «Мона Лиза» получила всемирную славу не только из-за качества работы Леонардо, которое впечатляет и любителей живописи и профессионалов.


Микеланджело Буонарроти () родился в городке Капрезе в итальянской провинции Тоскана – скульптор, живописец, архитектор, поэт.




Итальянский скульптор, художник, архитектор и поэт. Еще при жизни Микеланджело его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения. Кто не верит в гений, кто не понимает, что такое гений, поверит и поймет, вдумавшись в судьбу Микеланджело. Ромен Роллан


Сикстинская капелла в Ватикане -это исторический, художественный и религиозный памятник эпохи Возрождения. Построена между 1475 и 1483 гг. В настоящее время, капелла открыта для посещения, как музей. В 1508 г. Папа Юлий II поручил Микеланджело Буонаротти расписать фресками плафон Сикстинской капеллы.


Мрамор гг. Церковь Сан Доменико, Болонья.


Мрамор г. Церковь Нотр-Дам, Брюгге, Нидерланды.


Давид ()


Колоссальная статуя Давида (, Флоренция) рождает представление о грозной силе (эту особенность работ М. современники называли terribilitá), о героическом порыве, сдерживаемом могучим напряжением воли.




Северное Возрождение Дама с единорогом. Известный женский портрет кисти Рафаэля, написанный около годов, произведение Высокого Ренессанса.


Северное Возрождение Композиция портрета, судя по всему, создана под влиянием «Моны Лизы», написанной Леонардо да Винчи в «Моны Лизы Женщина изображена в поколенном срезе, в трехчетвертном повороте сидящей в лоджии на фоне озерного пейзажа. Она одета как благородная дама, в платье с низким вырезом и с широкими рукавами (практически идентично наряду на картине «Донна Гравида»). На шее у нее надета золотая цепь с подвеской из рубина и изумруда с грушевидной жемчужиной. На голове небольшая диадема, почти скрытая волосами. Однако, что странно, на ее пальцах нет колец, включая обручальных это необычно, так как женские портреты того времени создавались как правило по случаю свадьбы. В руках дама держит небольшого единорога символ целомудрия. Согласно средневековым легендам, приручить его могла только девственница. Две главные черты этого портрета: «грациозное изящество, которому трудно противостоять, и загадочный характер этой таинственной дамы, которая все также продолжает избегать опознания» Картина Рафаэля Санти «Мадонна Конестабиле» создана художником в двадцатилетнем возрасте. Размер картины, диаметр 18 см, дерево, масло, перенесено на холст. «Мадонна Конестабиле», очень небольшая картина в форме тондо. В этой картине молодой художник Рафаэль создал свое первое замечательное воплощение образа мадонны, занимавшего в его искусстве исключительно важное место. Образ молодой прекрасной матери, вообще столь популярный в ренессансном искусстве, особенно близок Рафаэлю, в даровании которого было много мягкости и лиризма. В картине «Мадонна Конестабиле» художник представил Марию с младенцем за чтением книги на фоне прозрачного умбрийского пейзажа с пологими холмами вокруг озера и тонкими безлиственными деревьями. Исполненные серьезности лица отличаются нежной-, бережной моделировкой. Синий плащ Марии тонко согласован по цвету с голубым небом, с холодными оттенками зеленых холмов, озера и далеких снежных гор, и в целом цветовой строй картины рождает впечатление светлой чистоты. Образная концентрация здесь усилена как в самом действии Мария и младенец Христос взаимно объединены тем, что взоры их обоих устремлены на книгу, так и в композиции в плавном обобщенном силуэте мадонны, в линиях фигуры младенца, следующих очертаниям картины, и, наконец, в том, что сама форма картины «Мадонна Конестабиле» с круглым обрамлением придает образному Замыслу характер особой завершенности. Форма тондо применялась и в кватроченто, но там она использовалась иначе: либо композиция строилась без должного использования возможностей картины круглых очертаний (как, например, в картине «Мадонна с младенцем» Филиппо Липпи), либо, напротив, очертания картины подчиняли себе естественность группировки фигур, несколько подчеркнуто выделяя эффекты линейного ритма (что можно видеть на примере некоторых работ Боттичелли). В отличие от мастеров 15 века в картине молодого художника Рафаэля Санти наметились новые качества, когда гармоническое композиционное построение не сковывает образы, а, напротив, воспринимается как необходимое условие того ощущения естественности и свободы, которое они порождают Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не внушает столь возвышенных чувств, как эта картина. Сюжет взят из Нового Завета. Иисус рассказывает притчу о сыне, который получает у отца свою часть имения и расточает ее в дальней стороне, живя распутно. Когда, собравшись с духом, он возвращается домой, отец сразу прощает его и принимает с радостью. Религиозный смысл притчи таков: как бы ни грешил человек, раскаяние всегда вознаградится радостным прощением. Здесь Рембрандт, по-видимому, взялся исследовать общечеловеческое значение притчи. Коротко остриженные волосы на голове блудного сына и потрепанная одежда говорят сами за себя, а воротник хранит намек на былую роскошь. Туфли изношены, одну он обронил, став перед отцом на колени. Отец прижимает сына к груди, прощая его. Характерно, что Рембрандт избегает конфликтности притчи: там говорится о ревности послушного сына, хотя, возможно, он стоит в тени позади отца.



Щивались, они выступали как соперники, относились друг к другу неприязненно, почти враждебно. У них были слишком разные художественные и человеческие индивидуальности. Но в сознании потомков эти три вершины образуют единую горную цепь, олицетво­ряя главные ценности итальянского Возрождения - Интеллект, Гар­монию, Мощь.

Леонардо да Винчи

К Леонардо да Винчи, может быть больше, чем ко всем другим деяте­лям Возрождения, подходит понятие Homo universale . Этот необыкно­венный человек все знал и все умел - все, что знало и умело его вре­мя кроме того, он предугадывал многое, о чем в его время еще не по­мышляли. Так, он обдумывал конструкцию летательного аппарата и, как можно судить по его рисункам, пришел к идее геликоптера. Ле­онардо был живописцем, скульптуром, архитектором, писателем, музыкантом, теоретиком иску ства, военным инженером, изобретате лем, математиком, анатомом и физиологом, ботаником... легче пер ­числить, кем он не был. Причем в научных занят ях он оставался художником, так же как в иску стве оставался мыслителем и ученым.

Легендарная слава Леонардо прошла столетия и до сих пор не только не померкла, но разгорается все ярче: открытия современной науки снова и снова подогревают интерес к его инженерным и научно-фан­тастическим рисункам, к его зашифрованным записям. Особо горя­чие гол вы даже находят в набросках Леонардо чуть ли не предвиде­ние атомных взрывов. А живопись Леонардо да Винчи, в которой, как и во всех его трудах, есть что-то недосказанное и тем более вол­нующее воображение, снова и снова ставит перед нами самую вели­кую загадку - о внутренних силах, таящихся в человеке. Известно мало произведений Леонардо, и не столько потому, что они погибали, сколько потому, что он и сам их обычно не завершал. Осталось всего несколько законченных и достоверных картин его кисти, сильно потемневших от времени, почти совсем разрушившаяся фреска «Тайная вечеря» в Милане и много рисунков и набросков - самое богатое их собрание в Виндзорской библиотеке. Эти рисунки пером, тушью и сангиной, некоторые очень тщательные, другие толь­ко набросанные, многие по нескольку на одном листе, иные впере­межку с записями, дают представление о колоссальном мире образов и идей, в котором жил великий художник. Здесь неисчислимые ф ­гуры и головы в различных поворотах, прекрасные лица, уродливые лица, юношеские, старческие, лица спокойные и лица искаженные яростью, рисунки рук, ног, пухлые тельца младенцев, этюды женских причесок, драпировок, гол вных уборов, зарисовки растений и де­ревьев, целые ландшафты, сражающиеся воины, скачущие и взды­бившиеся лошади, головы лошадей, анатомические штудии, аллего­рии и фантазии - борьба дракона со львом, рыцаря с чудовищем, и более странные и сложные - какие-то стихийные космические бед­ствия, хлынув ие потоки вод; здесь изображения гигантских пушек, машин, похожих на танки, водолазных скафандров, церквей, двор­цов, архитектурные проекты и планы. Переполненный замыслами, малой доли которых хватило бы на це­лую жизнь, Леонардо ограничивался тем, что намечал в эскизе, в на­броске, в записи примерные пути решения той или иной задачи и предоставлял грядущим поколениям додумывать и доканчивать. Он был великий экспериментатор, его больше интересовал принцип, чем самое осуществление. Если же он задавался целью осуществить замысел от начала до конца, ему хотелось добиться такого пре­дельного совершенства, что конец отодвигался все дальше и дальше, и он, истощая терпение заказчиков, работал над одним произведе­нием долгие годы.

У него было много учеников, которые старательно ему подражали,- видимо, сила его гения порабощала, - и Леонардо часто поручал им выполнять работу по своим наброскам, а сам только про­ходился по их творениям кистью. Поэтому, при малом количестве подлинных кар­тин самого мастера, сохрани­лось много «леонардесок» - произведений, прилежно и довольно внешне копирующих манеру Леонардо, - однако, отблеск его гения заметен то в общей концепции, то в от­дельных частностях этих ка тин.

Сам Леонардо учился у известного флорентийского скульптора, ювелира и живо­писца Андреа Вероккьо. Ве-роккьо был крупный худож­ник, но ученик превзошел его еще в юные годы. По рас­сказу Вазари, молодой Ле­онардо написал голову бело­курого ангела в картине Ве­роккьо «Крещение Христа». Эта голова так изящно-благо­родна, исполнена такой поэ­зии, что остальные персона­жи картины не смотрятся рядом с ней, кажутся не­складными и тривиальными. Однако двор Медичи не оце­нил Леонардо, который был слишком ранней предтечей Высокого Ренессанса. Тогда еще в зените был стиль кват­роченто, и шумным у пехом во Флоренции пользовался Боттичелли, старший това­рищ Леонардо, йи в чем на него не похожий. В 1482 го­ду, когда Леонардо было тридцать лет, он покинул Флоренцию и надолго обосно­вался в Милане. В 1500 го­ду, после завоевания Милана французами и падения Лодовико Моро, миланского тирана, который был покровителем Леонардо,- снова вернулся во Флорен­цию. Последние девятнадцать лет жизни он переезжал то в Рим, то опять во Флоренцию, то снова в Милан и в конце жизни переселил­ся во Францию, где его с большим почетом принял король Фран­циск 1. Надо признать, что Леонардо был довольно равнодушен к по­литическим распрям и не проявлял местного патриотизма. Он чувствовал себя гражданином мира, сознавал общечеловеческое зна­чение своих трудов и хотел одного: иметь возможность ими зани­маться,- поэтому охотно ехал туда, где ему эту возможность пре­доставляли.

От миланского периода сохранились картина «Мадонна в гроте» и фреска «Тайная вечеря». Оба эти произведения эпохальны-целая художественная программа Высокого Возрождения, образцы ренес-сансной классики.

«Мадонна в гроте» -большая картина, форматом напоминающая ти­пичное ренессансное окно: прямоугольник, наверху закругленный. Это распространенный в ренеосансной живописи формат. Ренессанс-ная картина - действительно подобие окна, окно в мир. Мир, в нем открывающийся, - укруп­ енный, величавый, торжест­венный, более торжественный, чем настоящий, но столь же реальный, долженствующий поражать глаз своей реаль­ностью, своим сходством с зеркальным отражением. «... Вы, живописцы, находите в поверхности плоских зеркал своего учителя, который учит вас ветотени и сокращениям каждого предмета», - писал Леонардо. Как усердно ни ра­ботали ватроч"ент ст над перспективой и объемом, у них еще не получалось подо­бия зеркала. У любого худож­ника кватроченто есть сопо­ставление ближних и даль­них пространственных зон, но нет их естественного перете-кания. Фон замыкает карти­ну, как задник декорации, а первый план рельефом вы­ступает на этом фоне; между ними - разрыв, единого про­странства не чувствуется. Про­верьте это, посмотрев еще раз на композиции Пьеро делла Франческа, Гирландайо, Бот-тичелли, - всюду будет то же самое.

У Леонардо уже другое. Че­рез его «окно» мы загляды­ваем в полутемный сталакти­товый грот, где пространство развивается в глубину плав­но, неощутимо перетекая из одного плана в другой, выво­дя к светлому выходу из пе­щеры. И группа из четырех фигур - Мария, маленький Христос, маленький Иоанн Креститель и ангел - распо­ложена не «на фоне» пещеры, а действительно внутри нее, как говорят «в среде», причем сама эта группа пространственна. Ощущается реальное расстояние, воздух между младенцем Христом, матерью Крестителем, - сравните с группой Весны и Флоры у Боттичелли: как там стиснуты и «нало­жены» одна на другую фигуры.

Вот где по-настоящему берет начало станковая живопись. Живопись, которая не покрывает плоскость, но «пробивает» в ней окно; не вхо­дит в пространственные отношения интерьера, но создает для себя свое собственное пространство, собственный мир, отдельное бытие. Мир «Мадонны в гроте» полон глубокого, таинственного очарования, свойственного только кисти Леонардо. Эти четыре существа, связан­ные между собой интимно-духовными узами, не смотрят друг на дру­га - они объединились вокруг чего-то невидимого, как будто находя­щего я в пустом пространстве между ними. На это невидимое на­правлен и указующий, длинный тонкий перст ангела. Есть какая-то неуловимость во внутренней концепции картины, и она ощущается тем острее, что исполнение с начала до конца рациона­листично. Леонардо да Винчи был художником менее всего интуитив­ным, вое, что он делал, он делал сознательно, с полным участием ин­теллекта. Но он едва ли не с умыслом набрасывал покров таинствен­ности на содержание своих картин, как бы намекая на бездонность, неисчерпаемость того, что заложено в природе и человеке. «Тайная вечеря» особенно заставляет удивляться интеллектуальной силе художника, показывая, как тщательно он размышлял и над об­щей концепцией и над каждой деталью. Эту громадную фреску, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, по­стигла трагиче кая участь: написанная маслом на стене, она начала разрушаться еще при жизни Леонардо - результат его неудачного технического эксперимента с красками. Теперь о ее деталях можно судить только с помощью многочисленных копий. Но копии в те вре­мена были, собственно, не копиями, а довольно свободными вариа­циями подлинника, к тому же копировать Леонардо вообще очень трудно.

Рафаэль Санти был самым юным из трех титанов Возрождения, кроме него так называют Леонардо да Винчи и Микеланджело Буанаротти. Когда художник приехал во Флоренцию ему было 19 лет , Микеланджело – 29 лет , Леонардо – 52 года .

Рафаэль жил во Флоренции 4 года, 1504-1508 гг. В тот момент в городе сложилась абсолютно фантастическая ситуация: в городе одновременно по одним и тем же улицам и палаццо ходили Рафаэль, Микеланджело и Леонардо да Винчи . Три титана эпохи Возрождения соперничали друг с другом в одном культурном пространстве. Никогда уровень мастерства не достигал такой концентрации в рамках одного города.


Рафаэль. Портрет Аньоло Дони. Экспонируется на выставке в ГМИИ имени А.С.Пушкина

На выставке “Рафаэль. Поэзия образа” в ГМИИ имени Пушкина экспонируется парный портрет супругов Дони. Портреты были заказаны Рафаэлю одновременно с заказом Микеланджело картины “Святое семейство” (его так же называют Мадонна Дони/ Тондо Дони), который сейчас украшает галереи Уффици.


Микеланджело . Святое семейство/ Мадонна Дони. Заказан семьей Дони. Рама создана Микеланджело

Рафаэль и Леонардо

Между Леонардо и Рафаэлем были отношения ровные, на уровне «учитель–ученик», ни скандалов, ни интриг. Рафаэль восхищался Леонардо, учился и подражал его стилю. Молодой художник посетил мастерскую Леонардо да Винчи во Флоренции и увидел его “Джоконду”. В соответствии с воспоминаниями современников он был под огромным впечатление от данной работы. Перерабатывая данную тему, а именно разворот тела и позу модели, положение рук, был исполнен портрет Маддалены Строцци (в замужестве Дони), который экспонируется на выставке в ГМИИ.


Рафаэль. Портрет Маддалены Дони. Экспонируется на выставке в ГМИИ имени Пушкина
Леонардо да Винчи. Джоконда. Оригинал: Лувр, Париж

Рафаэль и Микеланджело

Они были противоположностями друг другу. Рафаэль был красивым, элегантно одетым, окруженным друзьями и поклонниками. Микеланджело напротив – вечно один , язвительный в высказываниях. У него был тяжелый характер . К своему внешнему виду Микеланджело относился подчеркнуто пренебрежительно.

Микеланджело однажды заявил – «Все, что умеет Рафаэль, он научился у меня ». Отчасти это правда, Рафаэль как губка впитывал и творчески осваивал высшие достижения живописи своего времени.


Собор Святого Петра в Ватикане

Художники соперничали между собой в заказах, в росписи Сикстинской капеллы Ватикана, в архитектуре при строительства собора Святого Петра. Только внезапная смерть Рафаэля позволила Микеланджело перехватить данный архитектурный заказ и завершить его.

Статья о картинах Рафаэля на выставке шедевров Пинакотеки Ватикана расположена

О картинах, представленных в 2016 году на выставке “Рафаэль. Поэзия образа” в ГМИИ имени Пушкина (Москва, улица Волхонка) написано Статья о фактах жизни и смерти Рафаэля представлена

Два величайших гения эпохи Возрождения – Микеланджело Буонаротти и Леонардо да Винчи – не просто не находили общего языка, они испытывали друг к другу откровенную антипатию и презрение. Несмотря на то, что жили они в одну эпоху, художники принадлежали разным поколениям. Соответственно, их взгляды на искусство были кардинально противоположными. Однажды оба были приглашены принять участие в оформлении зала Большого Совета в Палаццо Веккио. Их картины планировали расположить на противоположных стенах. Но битве титанов так и не суждено было завершиться.


Палаццо Веккио («Старый дворец») – это ратуша по Флоренции. Местные власти хотели увековечить военные подвиги флорентийцев во время пизанской войны. Мэр города Пьеро Содерини пригласил Микеланджело и да Винчи, чтобы они создали картины для зала заседаний Большого Совета ратуши. Леонардо да Винчи на тот момент был признанным мастером и снискал славу выдающегося художника, в то время как Микеланджело только постигал азы профессии. За их творческим противостоянием следила вся Флоренция.


Да Винчи выбрал эпизод схватки двоих всадников за знамя в битве при Ангиари. Микеланджело планировал изобразить победу флорентийцев над пизанцами в битве при Кашино в 1346 г. Но основной его целью было создать нечто абсолютно противоположное работе Леонардо, поэтому в пику ему Микеланджело выбрал не героический эпизод битвы, а бытовой: купавшихся в реке воинов застает врасплох призыв к оружию, и они собираются в спешке.


Леонардо начал работу в 1503 г., Микеланджело – чуть позже. Но этому творческому поединку так и не суждено было завершиться. Микеланджело в 1505 г. вызвал в Рим Папа Юлий II, поручивший ему строительство гробницы-мавзолея. Верхняя часть картины да Винчи не успела высохнуть достаточно быстро, и краски перемешались. В результате Леонардо также забросил проект.


Это был единственный раз, когда Микеланджело и да Винчи работали вместе над одним проектом. Их незавершенные картины висели в одном зале в течение почти десятилетия (1505–1512). Картина Микеланджело была разрезана на куски Бартоломео Бандинелли в 1512 году. В середине XVI века зал был расширен и перестроен, помещение стало залом суда. В ходе этой реконструкции известные работы были утрачены, в том числе “Битва при Кашине” Микеланджело и “Битва при Ангиари” Леонардо да Винчи.


С эскизов да Винчи и Микеланджело были сняты копии, благодаря которым мы сегодня можем восстановить оба произведения и судить о творческом поединке двух великих художников Возрождения. Картину да Винчи удалось реконструировать по подготовительным эскизам и копиям XVII века, картину Микеланджело – по наброскам и рисункам, воспроизводящим отдельные фигуры, и по копии XVI века.


Наверное, творческий поединок остался незавершенным не случайно: кто бы ни был признан лучшим на тот момент, все-таки невозможно сравнивать творчество двух великих гениев. И любые соревнования тут бессмысленны. И сегодня их творчество не теряет актуальности: